Jesper Dyrehauge

"Uma linha é um ponto que foi dar uma volta..."  – Paul Klee

Abrir este ensaio com a famosa citação do pintor suíço Paul Klee parece uma maneira apropriada de apresentar o trabalho do artista dinamarquês Jesper Dyrehauge (nascido em 1966). Ilustrando a tradição da escrita, movimento e forma da citação de Klee adiciona uma facilidade humorística que elimina o elemento de conformidade e introduz a ideia de desenhar como um processo orgânico e transformador em constante movimento. Da mesma forma, as obras de Jesper Dyrehauge buscam dissolver as convenções da linguagem visual formal, posicionando-se entre duas das principais tradições estilísticas da história da arte: o minimalismo e o expressionismo abstrato. Abraçar intencionalmente elementos de acaso, erro e humor para entrar em sua obra Dyrehauge essencialmente propõe a possibilidade de uma pintura existir em um estado não hierárquico de "no meio".

Durante a última década, Dyrehauge dedicou sua prática para investigar a noção do que constitui pintura. Sem pontos de referência específicos, ele trabalha em um estilo não figurativo informado por interesses formalistas como cor, linha, tamanho e textura - em última análise, preocupando-se com as qualidades formais da tinta aplicada sobre tela. Neste esforço, Dyrehauge poderia facilmente ser categorizado como um pintor modernista. Alguém carregando o legado da pintura abstrata dos anos 50 e 60, como avaliado pelo historiador de arte americano Clement Greenberg, que acreditava que os modos tecnicamente proficientes da abstração pintora representavam o auge da realização artística moderna. ^[i]

No entanto, tanto quanto as obras de Dyrehauge tomam a forma imediata de pintura, assim como clara para ele que sua obra deve negar o status hierárquico supremo da pintura moderna, e, em vez disso, alocar atenção às possibilidades mais evasivas e coincidentes da obra e às qualidades que ela pode gerar.  "A pintura moderna expressa através do gesto da pincelada do artista branco e masculino, é cobrada cardealmente com a promessa de gênio iminente e transcendência sublime. Esse discurso não é meu ponto de referência – mas sim meu ponto de fuga", afirmou o artista. "Portanto, prefiro chamar meu trabalho de "obras" ou telas, em vez de pinturas".

Para Dyrehauge, o primeiro passo nesta fuga foi remover o pincel. Em vez disso, ele usaria um simples vegetal como uma cenoura ou batata como ferramenta de aplicação. Como essa escolha do material naturalmente conota um nível de domesticação, um comentário irônico à noção do "pincel mágico" é aludido. O segundo passo foi aplicar um método um tanto mecânico. Ainda deve ser realizado pela mão do artista, mas ao mesmo tempo permitir que ele se distanciasse do "ato de pintura" o suficiente, para que ele se impedisse de "se tornar obra". Com essas limitações construtivas, Dyrehauge chegou a inventar um estilo de assinatura de monotarefa "carimbo de cenoura" – um modo de prática que ainda define seu trabalho hoje em dia.

Carimbo de cenoura

A técnica de estampagem de cenoura de Dyrehauge é simplesmente baseada em linhas de carimbo de pontos coloridos em uma tela de linho cru usando a grade como seu padrão de diretiva.  Antes de começar um novo trabalho, Dyrehauge prepara sua cenoura  cortando-a em uma forma quadrada, triângulo ou círculo - então ele escolhe sua paleta de cor. Muitas vezes as cores são mono-cromadas, outras vezes duas cores contrastantes ou tonificadas são combinadas em uma tela. Para a estampagem real, a tela fica plana sobre uma superfície horizontal, não permitindo nenhuma mudança de perspectiva durante o processo de trabalho. Uma vez que a obra já foi concebida na mente dos artistas, como uma imagem interior, a tarefa agora é produzi-la. Uma vez iniciado na tela, ele carimba os pontos um a um de forma contínua e repetitiva, não parando antes que o trabalho seja concluído. Não são feitas grandes pausas - caso contrário, a cenoura secará e mudará de forma. Assim - variando apenas ligeiramente em cor, composição e tamanho - Dyrehauge forma e camadas suas telas pontilhadas.  Somente quando o trabalho é concluído, e uma grade padronizada de cima para baixo tem immerged, o artista pode se afastar da tela, pendurá-la na parede e dar-lhe seu primeiro olhar avaliativo de uma nova perspectiva distante.

Uma vez que o processo de estampagem requer toda a atenção do artista de precisão e cuidado. Cada ponto ou carimbo importam o mesmo. No entanto, em seu método iterativo, a estampagem eventualmente atinge um nível de fluxo meditativo, onde a tomada de decisão subconsciente toma conta. Eventualmente, ocorrerá um erro, que devido ao método rigoroso de processo não pode ser corrigido ou alterado. Se um carimbo acidentalmente é colocado um milímetro muito alto ou baixo da linha imaginária gridded, Dyrehauge instintivamente tem que escolher, se para integrar o ponto divergente na grade, ou descartar a tela. Essas decisões instintivas, porém fundamentais, acontecem várias vezes durante o processo e, como tal, são os momentos mais decisivos da criação da obra. Esses momentos diretivos concluem uma soma de nuances e padrões imprevistos e sutis emergindo na obra, que se tornou o veículo de Dyrehauge para a reinvenção; a adoção e reconfiguração de materiais e formas, em que o resultado parcialmente concebido, mas nunca pode ser totalmente conhecido ou compreendido.

 ~

Em sua primeira exposição individual no Brasil na Galeria Anita Schwartz, rio de Janeiro – em exibição de ^{14 de} abril  a 21 de maio ^de 2016 –, Jesper Dyrehauge produziu dois novos corpos de trabalhos compostos por doze telas estampadas   com tinta acrílica e dez fotografias coloridas. Ambas as séries foram produzidas no Rio de Janeiro durante a residência de um mês do artista.

Todas as obras individuais não têm título, mas a exposição como um todo desnuda o título ~ como uma introdução um tanto mística, mas muito descritiva à interpretação da mostra.

~ - sendo o símbolo do tilde - refere-se em latim a algo "sendo semelhante" ou "da mesma magnitude". Em inglês, o símbolo diz como "aproximadamente". Comparando o símbolo com o duplo tilde ≈, o que indica um valor que pode ser considerado funcionalmente equivalente para um cálculo dentro de um grau aceitável de erro, ~ no entanto é usado para indicar um grau de erro maior, possivelmente significativo. Equipado com este conhecimento detalhado de diferença entre algo bastante semelhante, define o modo receptivo para a exposição.  ^[ii]

No espaço principal da galeria estão expostas as doze telas. Todas as obras possuem composições horizontais diferentes, equilibradas por dois blocos estampados em cima um do outro criando uma sensação de "acima" e "abaixo". A paleta de cores varia de cores primitivas brilhantes de vermelhos, azuis, amarelos e verdes, a cores mudas e tonificadas que aparecem em blocos monocromáticos sólidos ou desbotados. Na tela eles se destacam visualmente em uma escala do convexo ao côncavo, da aparência ao desaparecimento. Embora o elemento da mecanização desnuda uma forte presença e a uma certa extensão domine a percepção do trabalho, cada trabalho consegue emanar um poderoso senso de individualidade.  Como tal, cada pintura fascínio uma sensação de tranquilidade e ordem dentro do campo de cor, ao mesmo tempo em que justapõe uma relação flutuante constante entre ordem e desordem, equilíbrio e contrapeso.

Também está presente um forte senso de assimetria e mudanças de foco - não apenas nos diferentes tamanhos da tela, mas também nas próprias composições. À medida que se aproximam da superfície para estudar as linhas pontilhadas, outra camada subjacente de pontos se revela em certas partes das telas. Isso cria um efeito cintilante de quase qualidade aérea, como o que você experimentaria na frente de uma pintura de op-art de Bridget Riley. One se sente instantaneamente manipulado na tentativa de controlar o senso de percepção do olho, mas ao mesmo tempo profundamente fascinado. Porque você percebe que os modos de temporalidade e perda deslizante de controle de visibilidade que Dyrehauge apresenta aos seus espectadores, podem mudar os mecanismos de visão, e, finalmente, os modos de entender como ver.

Fotografias

No andar superior da galeria é apresentada a segunda parte da exposição. Aqui, uma série de fotografias coloridas emolduradas mostra dez quadros de escultura diferentes, compostos de pedras rústicas montadas em um pedaço casualmente em forma de plasticina colorida. Todas as pedras têm um buraco naturalmente feito usado nelas pelo mar, tornando cada uma delas única em forma e forma. Os quadros repousam sobre uma folha colorida correspondente de papelão criando um espaço de primeiro plano e fundo, com a pedra no centro. O buraco em cada pedra - quando visto na frente do papelão colorido - aparece de repente como um ponto colorido.  A série de fotos torna-se, assim, uma linha de pontos coloridos, evocando - da mesma forma quanto às telas - uma topografia rítmica enquanto o olho segue os pontos, e a 'divisão' horizontal.

As pedras são todas achados aleatórios; o chamado objet trouvé vem da coleção privada de pedras do artista. Quando criança, Jesper caminhava pelas praias de sua ilha natal de Funen, Dinamarca, procurando pedras com buracos nelas. Ele e sua família então os colecionavam, montavam-nos em cordas e pendurá-los em casa. Uma tradição, que ao longo dos anos acumulou uma grande coleção. Informado com essa história pessoal, pode-se achar tentador adicionar uma camada de narrativa à recepção do trabalho de Dyrehauge. No entanto, essa não é a preocupação do artista, pois a nostalgia simplesmente não desempenha nenhum papel em seu trabalho. Ao contrário, Dyrehauge enfatiza que nenhum processo de seleção emocional foi realizado na escolha das pedras para os quadros. Era puramente uma questão das proporções dos buracos, funcionando solenemente como as matrizes físicas que proporcionariam a possível experiência de um ponto colorido em uma linha horizontal.

Tendo uma consciência aguda para a experiência estética do espectador, a relação espacial entre as obras individuais - sejam telas ou fotografias - é uma preocupação central para Dyrehauge. Isso vem para mostrar em seu modo de enforcamento.  Todos os trabalhos são pendurados de forma ligeiramente assimétrica alinhada de acordo com seus pontos centrais ou médios, criando uma topografia rítmica em toda a sala, à medida que o olho segue as linhas horizontais 'dividindo' as obras individuais. Os campos oscilantes de cor e intensidades nas obras adicionam a esse fluxo rítmico, e ecoa o próprio modo de produção dos artistas ao carimbar.

Paradoxos idiossincráticos

Encontrando as obras de Jesper Dyrehauge, chega à minha mente, que sua arte "não produz o visível; ele sim torna o visível", uma observação que Paul Klee fez sobre seu próprio trabalho. Da mesma forma, Dyrehauge convida seus espectadores a experimentar e reconhecer a ^[iii]natureza complexa da percepção assumindo o ponto de que as coisas nem sempre são como elas olham pela primeira vez.

Para Dyrehauge, suas obras são, antes de tudo, objetos que precisam ser experimentados e olhados e que a experiência de olhar excederá a noção de uma compreensão predeterminada do que é a pintura. Enquanto a obra, em algum grau estético, faz referência a elementos do Minimalismo, do expressionismo abstrato, da OÁt Art, arte Povera e até mesmo do modernismo concreto brasileiro, suas abstrações silenciosas mantêm sua própria independência curiosa, humorística e poética - desafiadora de qualquer tendência na cultura contemporânea.

Ao olhar para as sutis irregularidades que desfocam um pouco as regras formais das obras, descobre-se que essas lacunas entre ordem e desordem, regularidade e irregularidade, na verdade permeiam uma medida oculta, que vai além da consciência subjetiva do artista. Para Dyrehauge, essa realização tornou-se a dimensão definidora que conclui suas obras como paradoxos idiossincráticos visuais.  Um paradoxo conveniente que anda de mãos dadas com a intenção de Dyrehauge de implementar um princípio democrático em seu processo de fabricação da arte e informar uma crença central dele; que, idealmente, nenhuma relação - seja na arte ou na vida - deve ser baseada na hierarquia.

[i] Clement Greenberg: "Modernista Pintura", Forum Lectures (Washington, D.C.: Voz da América), 1960.

[ii] Fonte Wikipédia

[iii] Paul Klee (encontrar fonte outra vez)